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5 Minutes That Will Make You Love Brahms

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In der Vergangenheit haben wir die fünf Minuten gewählt, die wir spielen würden, um unsere Freunde dazu zu bringen, sich in klassische Musik, Klavier, Oper, Cello, Mozart, Komponisten des 21. Jahrhunderts, Geige, Barockmusik, Sopranistinnen, zu verlieben. Beethoven, Flöte, Streichquartette und Tenöre.

Jetzt wollen wir diese neugierigen Freunde davon überzeugen, die Musik von Johannes Brahms (1833-97) zu lieben, dem Meister rührender symphonischer Ausrufe und launischer Klaviersoli. Wir hoffen, dass Sie hier viel zu entdecken und zu genießen finden. Hinterlassen Sie Ihre Favoriten in den Kommentaren.

Der Beginn von Brahms ‘Klavierkonzert Nr. 1 ist eine meiner Lieblingskonzerteröffnungen. Es hat Drama, Intensität und Emotionen – und das ist, bevor sich das Klavier überhaupt anschließt! Der Solist kommt fast vier Minuten lang nicht herein, während das Orchester eine lange, spannende Einführung hat, die die Themen des Satzes illustriert. Brahms nutzt das volle Orchester mit viel Größe, so dass der Eingang des Klaviers immer eine schöne Überraschung ist und sehr lyrisch und leise wirkt. Und nach so langem Warten!

Als mein Vater 1997 starb, beschloss ich, zwei Monate lang keine Musik zu hören. Und nach zwei Monaten sagte die Stimme meines Vaters zu mir: “Du musst jetzt Musik spielen.” Also schaltete ich das Radio ein. Ich brachte meinen Sohn zur Schule und als ich ihn einschaltete, hörte ich diese Melodie. Mein Vater spielte Geige und ich fühlte eine Verbindung, dass er mich zu diesem Lied führte; es stellte sich heraus, dass es Brahms war. Nicht lange danach arbeiteten wir mit Dave Matthews an „Supernatural“ und dieser Song kam wieder auf. Ich habe es mit Dave geteilt und als nächstes wurde es auf dem Album als “Love of My Life” veröffentlicht.

Im Gegensatz zu vielen modernen Musikern, die sich für diese Individualitätssache begeistern, gebe ich offen zu, gestohlen zu haben. Ich stehle. Und ich stehle viel von Brahms. Es gibt Zeiten, in denen es unbeabsichtigt ist, und Zeiten, in denen es ziemlich beabsichtigt ist. Das war 50/50. Ich habe Musik für „Ma Raineys Black Bottom“ gemacht und ein melancholisches Stück für Toledo, den Klavierspieler im Film, und das Streichorchester geschrieben. Ich schreibe die Melodie und habe sie im dritten und vierten Takt aufgelöst. Ich habe diese zweite Hälfte von irgendwoher gestohlen, aber es dauerte Wochen, bis ich herausgefunden hatte, wo. Natürlich habe ich es aus einem von Brahms ‘Intermezzos genommen.

Meine Einführung in Brahms erfolgte 1975 in der Carnegie Hall, wo Herbert von Karajan mit den Berliner Philharmonikern die Zweite und Vierte Symphonie dirigierte. Ich hatte gerade für ihn vorgesprochen; Er bat mich, das Sopransolo aus dem „Deutschen Requiem“ vorzubereiten, damit ich es am Ende der Tour singen konnte, und er lud mich zum Konzert ein. Es war ein unvergessliches Erlebnis. Ich habe später mit ihm und den Wiener Philharmonikern das „Requiem“ aufgenommen: Ich widme dieses Solo allen, die Angehörige verloren haben oder unter dieser Pandemie leiden, wichtige Arbeiter und Opfer von Konflikten und Tragödien auf der ganzen Welt.

Dieses Intermezzo ist Clara Schumann gewidmet und emotional und intensiv. Es hat einen magischen Zauber, eine liebevolle Aura, die das Herz sanft berührt. Die Kraft dieser Musik versetzt Sie in eine Welt der Selbstbeobachtung und intimen Ruhe. Es ist ein Stück, das niemals stirbt; es spielt auf etwas an, das man niemals greifen kann. Du hörst auf seine Poesie und es zwingt dich, immer wieder zuzuhören.

Ich liebe die geräumigen, prüfenden, launischen Brahms; die Brahms von Breite und Tiefe; der progressive Komponist, dessen reife harmonische Sprache die Atonalität Schönbergs vorwegnahm. Aber Brahms, ein virtuoser Pianist in seiner Blütezeit, hat auch eine wilde Seite, eine auffällige Spur. Und keine Musik fängt ihn besser in diesem Sinne ein als das tanzende, schwindelerregende Finale seines Klavierquartetts Nr. 1 in g-Moll, das er als Rondo „im Zigeunerstil“ bezeichnet. Bei dieser aufregenden Aufnahme aus dem Jahr 1967 schließt sich Artur Rubinstein, damals knapp 80 Jahre alt, weitaus jüngeren Mitgliedern des Guarneri-Quartetts an.

Hier ist mehr von diesem fröhlichen Brahms: das Finale seines Violinkonzerts, ein Tanz mit einem Fuß in einem prächtigen Ballsaal, der andere auf einem heruntergekommenen Dorfplatz. Nach dem zarten langsamen Satz des Konzerts ist es eine unwiderstehliche Explosion. Die Solistin hier ist die silberfarbene Janine Jansen; Ich hörte sie nicht lange vor Beginn der Pandemie spielen, daher ist es für mich eine wertvolle Erinnerung daran, was vorher kam – und was danach kommen wird.

Brahms gab uns Musik von großer emotionaler Tiefe, die uns zum Innehalten und Nachdenken zwingt. Insgesamt ist sein musikalisches Auftreten ernst und wunderschön melancholisch. Sein „Deutsches Requiem“ lebt seit meiner Jugend in Südafrika bei mir, als ich es zum ersten Mal auf einem Kunstfestival hörte. Drei Jahre später würde ich mich daran wenden, wenn ich um den verheerenden Verlust meiner Großmutter trauere. Anstelle des traditionellen lateinischen Requiems stellte Brahms seinen eigenen schönen Text aus biblischen Quellen in einer Umgebung zusammen, die ihnen neue Bedeutungen gab. Vom Eröffnungsmotiv in den Celli bis zu den ersten vom Chor gesungenen Worten – „Selig sind die Trauernden“ – werden wir von Wärme, Trost und, wie man sagen darf, Liebe umarmt. Ich musste mich während dieser Pandemie erneut daran wenden, um leise über den Verlust enger Freunde zu trauern.

Als ich 11 Jahre alt war, wurde ich von Ohrenentzündungen taub. Nach einer Operation wurde ich zu einem Konzert gebracht, um mein erholsames Gehör auszuprobieren. Die Wirkung dieser Musik war überwältigend. Später wurde mir klar, dass kein anderes Musikstück so beginnt: in der Krise der kritische Moment. Über das beharrliche Pochen einer Trommel steigt das Orchester langsam nach oben, drückt sich gegen die Schwerkraft, kämpft so hart und fällt dennoch zu kurz. Es sprach mich schon als Kind an. Wie könnte etwas so herzzerreißendes so schön sein? Wohin führte dieser immense Kampf? Ich musste es wissen.

Brahms ‘intimste Gefühle manifestierten sich in seinen letzten Klavierstücken, Op. 116 bis 119. Meine Wertschätzung für sie wuchs mit jeder Begegnung: Erstens, als ich einige von ihnen als Klavierstudent im Grundstudium lernte; später, als ich die Gelegenheit hatte, sie in der Graduiertenschule zu studieren; und zuletzt, als die letzten Gedanken dieses Komponisten durch unser Haus hallten, als meine Frau Deborah die Op. 119 eingestellt. Diese Stücke fühlen sich persönlich und bemerkenswert ausgereift in ihrer Einfachheit an, voller Schönheit und komplizierter Details.

Ich denke an meinen Schwiegervater Ornithologen zurück und frage mich laut: „Wie konnte Brahms Musik schaffen, die nach der Weite der Natur klingt?“ Und zu meinem ehemaligen Lehrer, der darüber nachdachte, dass Brahms immer versuchte, Texturen zu schreiben, die für ein bestimmtes Ensemble zu groß waren. Ich höre den langsamen Satz des Klarinettenquintetts und höre auf mikroskopischer Ebene, dass er eine grenzenlose Welt erschafft. Es ist, als würde man die Sehne des Körpers sehen, die Adern der Blätter. Es gibt so viel zu sehen: Reichtum der Harmonien, Rhythmus von Duplets und Drillingen, die aneinander reiben. Sie alle versammeln sich, um die Traurigkeit und Schönheit dieser Offenbarungsarbeit zu binden.

Brahms ‘Vierte Symphonie erfüllt immer wieder die Plätze im Konzertsaal mit ihrem Charme und dem vertrauten Zusammenspiel von Streichern und Holzbläsern. Ich liebe es, weil ich mich dadurch fühle. Es ist ein alter Freund, der besucht. Gemeinsam gehen wir einen Waldweg entlang, lachen und erinnern uns in einem ständigen Dialog über all die schönen Erinnerungen an vergangene Sommerfestivals.

Als ich Mitte der 1980er Jahre zur Manhattan School of Music ging, ging ich in die Bibliothek, um meine Hausaufgaben zu machen. Eines Tages bereitete ich mich auf eine Lesung des Brahms Op. 40 Trio; Eine Version sah interessant aus, weil sie beim Marlboro Festival aufgenommen worden war, von dem ich wusste, dass es selbst als Neuling prestigeträchtig war. Der Hornist war Myron Bloom, einer der ganz Großen – obwohl ich keine Ahnung hatte, wer er zu der Zeit war. Der Pianist Rudolf Serkin und der Geiger Michael Tree waren ebenfalls Legenden. Diese Aufnahme veränderte meine Wahrnehmung davon, was klassische Musik ist – und wie schön das Waldhorn in den Kanon passen könnte.

“Musik für die Seele”, “Medizin für die Stimme”: Dies sind zwei der Kommentare meiner Sänger, als wir diese Aufnahme von “A German Requiem” machten. Tief in den Text einzudringen – seine Phrasierung, Diktion und Bedeutung – war Teil einer faszinierenden Reise mit diesem großen Chor und Orchester, die das instinktive Verständnis der Tradition genoss; der warme, samtige Chorklang; und die Virtuosität der Berliner Philharmoniker. Alles kam zusammen. Dieses Stück ist in Deutschland so bekannt, dass man das Publikum in seiner Fantasie mitsingen fühlen kann; Es ist Musik, die uns erhebt, wenn wir sie teilen.

Es ist nicht nur seltsam, der Wechsel von Dur zu Moll: Bei dieser atemlosen Fahrt mit einem Scherzo fühlt es sich gewalttätig an, mit existenziellen Einsätzen, da die beiden Modi mit der dringenden Dringlichkeit von Antagonisten, die auf einem außer Kontrolle geratenen Zug kämpfen, um Kontrolle kämpfen. Auch der Rhythmus wechselt stark zwischen Doppel- und Dreifachformen, selbst wenn der Schwung nach vorne läuft. Das Gefühl der Einheit und des treibenden Flusses, das aus dieser destabilisierenden Mischung von Elementen entsteht, ist unheimlich – Brahms von seiner berauschendsten und klügsten Seite.

War Brahms ein Klassiker oder ein Progressiver? Warum nicht beide? Wilhelm Kempffs zurückhaltende, kunstvolle Herangehensweise an die späten Klavierwerke erinnert daran, wie man alles zusammenbringt. Wunderschöne melodische Linien sind mit einer Gesangsqualität geformt; überraschende Brüche haben eine neckende Verspieltheit. Und nicht lange nach der Drei-Minuten-Marke in einer Aufnahme von Op. 119, Nr. 4, Kempff ehrt einige streunende, knusprige Low-End-Noten, die die ansonsten schiefe Passage stören – Brahms ‘Fremdheit mit seiner Anmut in Einklang zu bringen.

Mit und in der Musik kann man dem Chaos des Lebens standhalten und eine mögliche Harmonie wiederentdecken, die nicht von verlorenem Paradies spricht, sondern von gefundenem Paradies. Romantik ist eine Art zu sein. Es ist ein Kampf um die Ganzheit, um das Wesentliche. Es ist mit leeren Händen und offenem Herzen auf dieses Ziel zuzugehen. Musik ist Leidenschaft, die ihren Rhythmus gefunden hat. Bei Brahms kommt der innere Puls der Musik dem des menschlichen Herzens sehr nahe. Durch seine Unterschrift „Rückblick“, dieses Gefühl der Sehnsucht und des Rückblicks, wird seine Sprache unbeschreiblich ergreifend.

Wenn Ihnen jemals jemand sagt, dass Brahms langweilig oder emotionslos ist – und das muss verblüffend passieren -, antworten Sie einfach mit einem der drei Intermezzos seines Opus 117. Nach dem ersten kommt ein Wiegenlied von vernichtender Schönheit auf Platz 2 B-Moll. Es ist auch ein Schlaflied mit einer leisen Melodie – so einfach wie die Zwei-Noten-Phrasen, die seine Vierte Symphonie eröffnen -, die aus sanft fließenden Läufen hervorgeht. Trotz der kaskadierenden Architektur ist es weniger eine leidenschaftliche Ausgießung als eine Einladung von einer einsamen Seele zur anderen für fünf Minuten tief empfundener Intimität.

Ich habe lange gebraucht, um Brahms zu lieben, dessen Musik mich einst als allzu schläfrig empfand – „herbstlich“, wie wir Kritiker es oft nennen. Erst als die Zeit mich zwang zu lernen, dass Leben zu verlieren bedeutet, denke ich, war ich besessen von der dunklen Seite seiner Partituren: der Trauer und Trauer, der Einsamkeit und Schuld, der Verzweiflung, sogar der Wut. Nirgendwo ist diese Dunkelheit so verschlungen wie in seiner vierten und letzten Symphonie, einem Werk mit Wut im Herzen, egal welches Gesicht es zu bewahren versucht. Und kein Dirigent hat seine Schrecken verzehrender gemacht als Wilhelm Furtwängler.

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Robert Dunfee